Arte nei primi dell 800 spiegata ai bambini
I ricordi nell'arte
La pittura di genere si sviluppò soprattutto in Olanda nel XVII secolo. I soggetti più tipici erano scene di vita contadina o di bevute nelle taverne, e tendevano a essere di piccole dimensioni. In Gran Bretagna i moderni soggetti morali di William Hogarth costituivano un genere speciale, per la loro franchezza e la satira sociale spesso pungente. La pittura di genere più semplice emerse negli ultimi anni del XVIII secolo, ad esempio con George Morland, Henry Robert Morland e Francis Wheatley. La pittura di genere divenne estremamente popolare in epoca vittoriana, dopo il successo delle opere di Sir David Wilkie, brillantemente abili ma profondamente sentimentali.Verso la fine del XIX secolo emerse un nuovo orientamento per la pittura di genere. Gli artisti volevano catturare l'eccitazione e la natura fugace della vita moderna che vedevano intorno a loro in metropoli in rapida crescita come Londra e Parigi. Le semplici e un po' sentimentali scene di genere dell'epoca vittoriana furono sostituite da movimentate scene di strada e scintillanti interni di caffè catturati da artisti impressionisti come Auguste Renoir e Claude Monet. Anche le riflessioni sugli aspetti negativi dell'urbanizzazione divennero un soggetto per gli artisti. Il pittore del Camden Town Group Walter Sickert, nelle sue scene di genere dipinte all'inizio del XX secolo, include coppie alienate in interni, suggerendo la solitudine che le persone possono provare nelle grandi città.
Com'era l'arte nell'Ottocento?
Nel 1800, a cavallo del XIX secolo, il Neoclassicismo era lo stile pittorico dominante in Europa. Il movimento artistico si era sviluppato nel XVIII secolo come parte di un più ampio stile decorativo che comprendeva l'architettura, la scultura e le arti decorative.
I bambini disegnavano nel 1800?
Sebbene il disegno e la pittura fossero passatempi molto diffusi tra i bambini dell'Ottocento, sia negli Stati Uniti che in Europa, sono pochi gli esempi sopravvissuti dei loro sforzi. Oggi i disegni e i dipinti che ritraggono bambini vittoriani sono piuttosto comuni, ma quasi senza eccezioni sono opera di adulti.
Quale tipo di arte è emersa alla fine del 1800?
Gli artisti dell'Impressionismo volevano catturare ciò che accadeva davanti a loro. Per questo motivo portavano il loro lavoro all'esterno, per essere vicini alle persone nel momento in cui si trovavano. Non mostravano solo i ricchi o gli eroi, ma la vita reale e volevano raggiungere e toccare con mano ciò che accadeva nel tempo in cui vivevano.
Arte ispirata ai ricordi d'infanzia
Come insegnanti, indossiamo molti cappelli. Siamo educatori, ma anche genitori, infermieri, consulenti, animatori e altro ancora quando si tratta di insegnare e di entrare in contatto con i nostri artisti. Siamo andati a scuola, abbiamo conseguito lauree di alto livello in educazione artistica, abbiamo avuto conversazioni approfondite sulla psicologia infantile e siamo appassionati di come trattiamo i nostri figli come artisti.
La cosa più importante da ricordare quando si condividono informazioni con i genitori e i tutori in questo momento è mantenere le cose semplici. Le persone stanno cercando di bilanciare questa nuova normalità di vita e può essere travolgente. Evitate di aggiungere inutili fattori di stress. Tuttavia, fornire ai genitori e ai tutori informazioni su come incoraggiare la creatività e la conversazione con i loro figli può essere uno strumento utile e potente.
Quando un bambino vi porta la sua creazione con un sorriso, è importante lasciarlo parlare del suo lavoro con le sue parole. Uno scarabocchio o una scultura di carta non hanno bisogno di "essere" qualcosa. Riformulare la domanda da "Che cos'è?" a "Parlami della tua opera d'arte" permette al bambino di usare le proprie parole per descrivere ciò che ha fatto. Forse il bambino ha creato un'opera d'arte ispirata a un sentimento, a un mondo immaginario o semplicemente si è divertito a giocare con i materiali artistici. Indipendentemente da ciò che ha fatto, il modo migliore per incoraggiare la sua creatività e la sua immaginazione è dargli la possibilità di descrivere il suo lavoro con parole proprie.
L'infanzia nell'arte
I pittori di paesaggi Turner e Constable sono stati esponenti influenti del romanticismo, un movimento artistico tra la fine del 1700 e la metà del 1800 che enfatizzava la risposta emotiva alla natura. Turner, che viaggiò molto, infarcì spesso i suoi drammatici paesaggi marini con allusioni letterarie o storiche. Constable, che non lasciò mai l'Inghilterra, preferì rappresentazioni più dirette di placidi paesaggi rurali.
Lavorando in studio sulla base di schizzi e della sua immaginazione, Turner mescolava i suoi colori a olio in strati fluidi di colore traslucido, chiamati velature. Constable, che a volte dipingeva direttamente all'aperto, applicava tocchi tremolanti di oli densi e opachi. Nonostante le differenze di temperamento e di tecnica, Turner e Constable evocano lo stesso culto della natura che permea la letteratura dei loro contemporanei, i poeti romantici Wordsworth, Coleridge, Byron, Shelley e Keats.
Questo quadro, esposto alla Royal Academy britannica nel 1817, dimostra il desiderio di Constable di essere "un pittore naturale" perché è stato realizzato quasi interamente all'aperto. Durante i mesi di agosto e settembre del 1816, l'artista documentò questa tenuta di campagna di vecchi amici di famiglia e registrò i suoi progressi in lettere alla fidanzata. (La commissione finanziò il loro matrimonio).
I bambini nell'arte
È sorprendente e inquietante riflettere sul fatto che, se si passeggia nelle gallerie dei principali musei che espongono arte degli anni Cinquanta, Sessanta, Settanta e persino degli anni Ottanta, c'è una quasi totale assenza di arte il cui soggetto implichi una risposta emotiva alla condizione umana o che commenti le principali questioni sociali del momento. Per questi grandi pittori e scultori è come se l'Olocausto, la guerra del Vietnam, i movimenti per i diritti civili, per i diritti delle donne e per i diritti degli omosessuali non fossero esistiti. Non che ci si aspettasse che molti scegliessero tali soggetti, ma il fatto che praticamente nessuno lo abbia fatto è degno di nota.
Naturalmente, ci furono alcuni artisti che continuarono la crociata (che raggiunse il suo apice negli anni Trenta) per usare l'arte come arma di attivismo sociale. Artisti come Stanley Spencer, Ben Shahn e Leon Golub crearono opere provocatorie, ma furono considerati periferici rispetto all'avanguardia da critici, collezionisti e musei.
L'Europa, teatro di tante distruzioni e spostamenti nel corso del secolo, aveva un numero maggiore di artisti attenti ai valori umani nella loro arte rispetto all'America. In Francia, Picasso continuò a utilizzare la tela per rispecchiare la sua psiche e la sua libido al mondo. Tuttavia, per quanto appassionato, Picasso raramente permise alla sua arte di andare oltre la sua stessa vita, come fece nei precedenti dipinti monumentali, Guerinica (1937) e L'Ossario (1945). Lo svizzero Alberto Giacommetti creò immagini crude e inquietanti dell'uomo nelle sue sculture e nei suoi dipinti. Jean Dubuffet si ispirò tanto all'arte dei folli quanto alla vita reale per i suoi contorti personaggi comici. La Germania e l'Austria in questo periodo, tuttavia, erano segnate dalla soppressione, non dall'espressione nella loro arte. Manieristi come Paul Wunderlich ed Ernst Fuchs erano in voga, ma solo il fotorealismo apparentemente casuale di Gerhard Richter e Franz Gertsch e l'espressionismo tormentato di Anselm Kiefer e Horst Janssen colpivano una nota di verità.